“Para mí lo más importante es la historia, es ella la que te dice cómo necesita ser retratada. Me encanta hacerla evolucionar, darle vida, acompañando a los actores y a la narrativa fotográficamente…”
Por: Oz Castro
oz.castro@hotmail.com
Twitter: @oz_castro
Uno de sus recientes proyectos es “El Cosmonauta”, película que promete hacernos reflexionar y nos presenta, además, una muy interesante forma de distribución. Sin duda alguna no podemos perdernos “El Cosmonauta” que se estrenará el 14 de mayo.
Amantes de la fotografía y fotógrafos amateurs, especialmente, sigan leyendo ésta entrevista, puesto que el mejor mensaje que nos deja es “arriésguense y no permanezcan estáticos”… y si alguien duda de que para dedicarse al cine no hace falta una pasión desenfrenada por hacer las cosas, sigan leyendo y olviden esa idea.
Empecemos con un poco de historia sobre tu vida profesional, cuéntanos ¿Por qué la fotografía?
Desde pequeño siempre estuve interesado en el arte visual, me dedique a la pintura desde niño, aunque nunca fue algo serio. La fotografía llego a mí, cuando vine a vivir a España, quise retomar la pintura y me di cuenta de que mi mano ya no estaba al nivel de mi mente. Después de un par de frustraciones empecé a hacer fotos con una cámara compacta y me abrió las puertas a un mundo nuevo.
¿Desde cuándo inicias profesionalmente como director de fotografía?
Mi carrera comenzó en un trabajo que me contrataron como runner para un programa que se llamaba “Flavor of Love” de la MTV en Puerto Vallarta. Nunca había estudiado comunicación ni trabajado en ninguna producción, la verdad es que llegue ahí de casualidad pero me atrapo por completo. Descubrí que eso del rodaje era lo mío, al poco tiempo estaba tocando las puertas al CUEC y hostigando profesores para aprender todo lo que humanamente era posible. La dirección de fotografía entro por sorpresa; en el CUEC conocí gente que me dio la oportunidad de realizar trabajos como ayudante de dirección. Haber trabajado como ayudante de dirección fue una bendición más adelante en mi carrera como DOP, pero en su momento era lo que me llenaba. Intentando mejorar mi trabajo como AD se me vino a la mente estudiar foto de cine para controlar mejor los tiempos y el equipo. Así fue como de repente al mirar a través del visor me enamore de la cámara y me atrapo para siempre.
¿Qué es lo que buscas en tus encuadres? ¿en tus planos? ¿Qué es lo que Enrique plasma cada vez que está al frente de la cámara? ya que, cada fotógrafo tiene su estilo, su intención de la toma.
Para mí lo más importante es la historia, es ella la que te dice cómo necesita ser retratada. Me encanta hacerla evolucionar, darle vida, acompañando a los actores y a la narrativa fotográficamente. Intento ser lo más sencillo posible, me permite acercarme más a los actores y a la historia. Intento que la iluminación nunca interfiera entre lo que pasa con la cámara y los actores. Creo que ésta relación tiene que ser la más pura y libre posible, te permite acercarte más y encontrar la película.
Cuando empecé a trabajar con la cámara, tuve la fortuna de colaborar con un amigo director, mexicano, Ricardo Dávila. Con el formamos un taller con actores en donde nos reuníamos todas las semanas a rodar secuencias totalmente improvisadas. Todo el trabajo estaba en cámara, en pre visualizar el montaje, en resolver planos y encontrar la historia conforme iba sucediendo la improvisación. Al cabo de un año tuve suficiente material para poder armar una demo reel, sin pretensión alguna, la verdad es que era bastante sencilla, casi todo el trabajo retratado ahí estaba iluminado con focos que habíamos fabricado nosotros. Ahí fue donde realmente aprendí a fotografiar, en lo más guerrilla. Dio la casualidad de que uno de los actores con los que formamos el taller, me recomendó con Nicolás Alcalá, director de “El Cosmonauta” porque buscaba un director de fotografía para la película. Nicolás vio mi reel y no me soltó.
¿A qué retos te has enfrentado en esta película? ¿cómo ha sido la experiencia?
El reto más grande para mí fue responder ante un largo con la poca experiencia que tenia. Fue duro, aunque divertido prepararme técnica y artísticamente para el reto. Casi todo mi trabajo estuvo basado en la intuición, mis bases eran muy a salvajadas aunque creo que eso mismo fue por lo que me contrató Nicolás.
La experiencia para mí fue algo increíble, ir a países como Rusia, Letonia, un mes y medio rodando en todo tipo de situaciones, pantanos, bosques, nieve, edificios de la ex Unión Soviética, campos de entrenamiento militar, todo de época. Fue algo maravilloso. Creo que cada película te regala una experiencia única que en resumen te cambia la vida.
En los FX's… ¿Te involucraste en ese proceso? de repente hay quien no lo hace confiando en el
artista visual, sin embargo en tu caso ¿cómo fue?
Como director de fotografía una de las primeras cosas que hago al preparar un proyecto después de hablar con el director es hacer un diseño de producción o diseño de fotografía. En este caso trabajé muy de la mano con Nicolás, en cuestión de lo que queríamos lograr con la estética de la película. Esto no solamente sirve para los departamentos de arte, vestuario, maquillaje etc... sino para que toda la gente involucrada en el proyecto este en el mismo canal. Esto involucra también a VFX.
Es muy importante como director de fotografía saber etalonar, no solamente te permite saber tirar, sino también te abre las puertas a poder controlar la imagen una vez rodada la película. Contamos con un equipo muy bueno de VFX, Entropy Studio. Entregaron material muy acercado a la estética buscada, solo hubo que darle un toque en etalonaje para que cuadrara con los demás planos y se integraran dentro de la película.
La película fue rodada en 3 países, Rusia, Letonia y España. En la película hay diferentes cambios de estación. El rodaje se dividió en 4 partes para abarcar las diferentes estaciones del año en distintas localizaciones.
¿Hubo una preparación previa antes de grabar? ¿pruebas de rodaje, iluminación, selección de la cámara o cámaras más idóneas para esto?
Preparamos mucho el rodaje, por encima de todo queríamos una cámara que nos permitiera ser rápidos, que nos permitiera estar cerca de los actores sin mucha pantomima y distracciones, que nos diera la libertad de grabar prácticamente en cualquier situación. En ese momento la mejor opción eran las HDSRL. En un principio habíamos hablado de tirar con Red One, pero hubiera sido un desastre, nos hubiera tomado el doble o más de tiempo armar la cámara y tenerla lista en todo momento, hubiéramos perdido muchos buenos momentos, fue una buena decisión escuchar a lo que la historia nos pedía.
La otra parte de las pruebas fueron las ópticas a usar. En mi parecer las que más se acercaban a lo que buscábamos eran las Carl Zeiss. Me gusta mucho el contraste que imprimen, lo nítidas que son y ese tono frío que le dan a la imagen. Además de que nos daban una constancia en las propiedades ópticas en todas las focales y reducen a prácticamente cero las aberraciones cromáticas (importante en etalonaje con estas cámaras) y de barril (que en si no apoyaban la narrativa en lo absoluto).
En la historia, planteamos que la fotografía se fuera descomponiendo, acompañando al estado emocional de los personajes, sobretodo el de “Julia”, que es el eje de la historia. Investigamos e hicimos pruebas con flare, velados e ISO. Al principio de la historia (aunque el montaje no es lineal) la fotografía es más correcta, gentil, un contraste más llamativo, colores más saturados, un poquito más “Hollywood” por decir alguna referencia. Los personajes están en un estado muy emotivo, están unidos, empezando su carrera en Star City. Conforme la historia de los personajes se va descomponiendo y evolucionando, implementamos la captación a ISO muy altas en cámara para generar un poco de ruido, acompañada de velados en cámara con linternas y poca profundidad de campo. En concreto cerrando como mucho a 3.5 no solo para evitar perlas en el objetivo sino también para marcar una diferencia en profundidad de campo. Los personajes están más solos, entonces los separamos del entorno. Para la segunda parte de la película buscábamos velar la foto, hacerla más cruda, mas bruta.
La tecnología no lo es todo, sino el conocimiento y a partir de esto te pregunto Enrique ¿Qué podremos ver en "El Cosmonauta" en cuanto a tu participación?
Creo que arriesgamos mucho y eso quedo impreso en la película. La primera vez que la vi en pantalla grande, con el equipo de Deluxe en el etalonaje fue un momento revelador para mí. Creo que una buena fotografía no es la que “es correcta” o “que se vea bonito”. Me da gusto saber que no nos perdimos siguiendo líneas técnicas “recomendadas” en cuanto a la utilización del material. Creo que con esta película ponemos en cuestión todos los estigmas, leyendas o tecnicismos que rodean a las HDSRL.
Nicolás tiene mucho talento, es un director que sabe lo que quiere y es muy exigente. Siempre te impulsa a buscar algo más, a dar lo mejor que puedas dar en todo momento.
¿Ya se conocían o era la primera vez que trabajaban juntos?
Era la primera vez que trabajábamos juntos, aunque tuvimos una semana de avanzadilla, en donde nos fuimos a rodar a Moscow unos planos con “el cosmonauta” en la nieve, ahí fue donde hicimos “click”.
¿Qué te ha dejado trabajar con él?
Ojala y tenga la oportunidad de trabajar de nuevo con él. Creo que me quitó muchos miedos, sobretodo en iluminar para 3 cámaras y que la foto siga teniendo las propiedades buscadas.
¿Qué anécdota quisieras compartirnos que te haya sucedido durante las grabaciones de "El Cosmonauta"?
Creo que nunca se me va a olvidar un día que estábamos rodando en un antiguo edificio de imprenta. Estábamos tan metidos en la grabación que no nos habíamos dado cuenta, pero en el sitio habían cargas de explosivos para derribarlo colocadas. Se dio cuenta mi ayudante de cámara, pero aún así no salimos del sitio hasta tener la toma que necesitábamos. Creo que a la gente del cine hay una palabra que nos define mucho “Fanatic”
¿Qué opinas de éste nuevo concepto de producir una película con “crowdfunding”?
Creo que el crowdfunding es muy parecido al la compra de acciones en el mercado. En si es el mismo principio, tú das a conocer un producto y vendes acciones o partes de la “empresa” ya sea con porcentaje de beneficios o con compra directo de productos o merchandicing. Es una búsqueda de inversores a través de internet. Creo que no se ha inventado nada nuevo, pero al aplicarlo al cine utilizando internet, si se ha dado la oportunidad de abrir las puertas a producciones sobretodo de bajo presupuesto a poder ser financiadas por gente que crea o le interese el proyecto.
¿Crees en la libertad de exhibir sin fines de lucro?
No exactamente, el ejemplo del cosmonauta es brillante. “El Cosmonauta” te permite ver la película como quieras, cuando quieras y donde quieras, en Cine, Tv, DVD, USB, internet al mismo tiempo. Te regalan la película, sí.
Pero en sí, el planteamiento no es solo una película, es una experiencia. Tienen de contenido transmedia otros 80 min, en donde te explican en un “timeline” datos que son relevantes en la historia del film. De hecho el final o la explicación de “qué pasa con el cosmonauta” está en una pieza transmedia, en donde te explican el por qué de la historia.
Me parece muy acertado que no tengas que buscar en Pirate Bay o Google para ver una película gratis. En el cosmonauta todo esta re dirigido a su web y por solo 5euros tienes acceso completo a todo. Incluyendo audiocomentarios del director, director de fotografía, actores, etc... un documental sobre el rodaje, un documental ficticio sobre una historia paralela al cosmonauta, entre otras cosas.
Creo en la libertad de exhibir contenido de una manera diferente y que cada proyecto tenga libertad de decidir como poder hacerlo sostenible sin depender de las distribuidoras.
La piratería está golpeando al mercado pero con el CC le están enviando un mensaje a esa "industria" ¿cuál es tu opinión como fotógrafo?
La industria está en proceso de cambio, por un lado está claro que la posibilidad de crear contenido está a la mano. La tecnología está de nuestra parte, desde la salida de las HDSLR y ahora con empresas como Black Magic están democratizando el sistema, dando la oportunidad a jóvenes creadores de expresarse y encontrar un hueco. No solamente eso, sino que internet y empresas como Tugg están dando la oportunidad a estos jóvenes talentos de distribuir su contenido.
Son tiempos emocionantes, el espectador está dejando un mensaje. Creo que hay que escuchar y atender.
¿En qué proyectos estas ahorita trabajando?
Estoy terminando mi segunda película, co producción Rusa - Letona. El film se llama “Tetushki” o “Aunties” en ingles. Dentro de poco empezaremos la pre producción para el siguiente film que se rueda en Letonia, este verano.
En su primer pase, Festival en Toulouse en Francia hubo una crítica que la define muy bien.
"Poesía elegíaca. Parábola romántica, filosófica y humanista. El cosmonauta es todo esto y también una aventura humana en más de un sentido"
Hay una entrevista que hacen a Terry Gilliam y me gusta mucho lo que dice. “Hay dos tipos de películas, las que te dan todas las respuestas y son muy reconfortantes, y hay otro tipo de películas que al terminar generan reflexión. Los grandes directores te hacen regresar a casa y reflexionar sobre ella”.
Creo que el cosmonauta hará reflexionar a más de uno.
¿Última película que hayas visto?
La última película que me impactó y se ha vuelto una referencia visual en mi carrera es “Samsara”.
Absolutamente todo de ella me parece magnífico. Desde la aproximación técnica, hasta el logro humano y artístico que conlleva realizar una película de esa naturaleza. Me parece un trabajo de introspección y auto conocimiento humano extraordinario.
¿Director de fotografía que te inspire?
Tengo 4 figuras, dos de ellos son mexicanos: Emmanuel Lubezki, Rodrigo Prieto, Matthew Libatique y Christopher Doyle.
NOTA: Definición de “Etalonaje”: proceso de laboratorio cinematográfico, que mediante procesos fotoquímicos conseguía igualar el color, la luminosidad y el contraste de los diferentes planos que formaban las secuencias
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